Os 10 melhores álbuns de 2019

Em 2019, o cenário musical era tão fragmentado e multifacetado quanto o mundo ao seu redor. Os melhores álbuns do ano não se encaixaram perfeitamente em nenhuma linha narrativa principal, mas se você examinar nossa lista abaixo, poderá encontrar alguns padrões.

Em vez de seguir a rota segura e repetir sucessos do passado, artistas, compositores e autores de arte pop, como lã do rei , galhos FKA , e Angel Olsen correram o risco de se tornarem grandes, aumentando consideravelmente a escala e a ambição de seu trabalho, e lançando o que foram indiscutivelmente os melhores álbuns de suas carreiras. Atos distantes, incluindo Preto Midi no Reino Unido., Bill Orcutt nos EUA, e Mdou Moctar in Niger mostrou que aqui ainda há muitos sons emocionantes e originais a serem extraídos do nosso velho amigo a guitarra elétrica, seja dentro ou fora do contexto do rock. Grande Ladrão eram uma história em si, lançando dois clássicos instantâneos com poucos meses de diferença um do outro.

Mas talvez a característica definidora dessa lista seja a perda, pois contém duas missivas finais de artistas brilhantes que morreram na meia-idade: mestres de seus respectivos ofícios que ainda sondavam sem medo novas profundezas, veteranos que também pareciam estar apenas começando. Eles podem ter ido embora, mas a música ainda está aqui.



Estes são os melhores álbuns de 2019.

10. Corrida G
Dança do Cosmo

A morte de Ras G atingiu Los Angeles como um disco de vinil, até porque ele ainda tinha muita música para compartilhar. Dança do Cosmo , lançado cinco meses antes Ras morreu aos 40 anos neste verão, encontra o produtor e patriarca incansavelmente prolífico do underground de L.A. explorando a house music pela primeira vez. Ele repete chocalhos, shakers, marimba e poemas picados ao lado de chutes e palmas; os grooves se esticam e incham de maneiras que ele nunca permitiu que suas batidas inquietas orientadas para o hip-hop. O resultado parece um círculo de dança sagrado. Após o lançamento, parecia uma nova fronteira: o mais swingado dos beats da cidade mudando seu foco da cabeça dos ouvintes para seus quadris.

É claro que Ras estava refletindo sobre o legado e o significado de seu trabalho. Dois Cosmos faixas sampleiam a introdução de Yusef Iman a um set de 1971 do Umoja Ensemble de James Mtume:O que você está prestes a ouvir não é jazz ou algum outro termo irrelevante que permitimos que outros usem para definir nossa criação, mas… o processo contínuo de consciência nacionalista manifestando sua mensagem no contexto de um de nossos recursos naturais mais fortes: a música negra. A parte de Long Gone diz: A música negra sobreviverá e crescerá simplesmente porque os negros sobreviverão e crescerão. Todo set de tributo ao Ras G que ouvi este ano o incluía. — TOSTEN BURKS

9. Preto Midi
Schlagenheim

Geordie Greep, da banda londrina de art-punk Black Midi, tem o corte de cabelo de um babaca de escola preparatória e a voz de um supervilão de desenho animado. Sobre Schlagenheim , o grupo debut, suas cadências vocais são calculadas e arqueadas, sem pressa, até que inevitavelmente aceleram em direção à mania.

Em bmbmbm, sobre gritos finos e uma pulsação desfiada e hipnótica de uma linha de guitarra, ele começa friamente: Ela se move com um propósito. Ao longo de quatro minutos, ele repete a frase em variações cada vez mais urgentes e, eventualmente, fica completamente desequilibrado, gritando sobre um propósito magnífico sobre uma explosão de guitarra e percussão. A bateria de Morgan Simpson é a massa líquida e violenta que espreita por trás do Capitão Ahab de Greep: ágil e tecnicamente surpreendente. A fantasia drogada do faroeste eleva um rancor mesquinho ao nível do mito, com letras inescrutáveis ​​sobre uma lagarta rosa com seis crianças anoréxicas e um buraco que é preto perpetuamente. Ducter, tempestuoso e propulsor, é afetado de maneira semelhante e igualmente convincente.

Ancorado por aqueles vocais maníacos, Schlagenheim é espetado, caótico e brutalmente emocionante - o som de uma banda jovem com horizontes quase impossivelmente amplos. — VAI BÊNÇÃOS

8. Mdou Moctar
Ilana: A Criadora

No Níger, telefones celulares com conexões de dados são mais prontamente disponível do que a água corrente . Músicos empreendedores comércio de arquivos MP3 de celular para celular, acumulando vastas coleções de áudio gravado de todo o mundo. Performances virtuosas antes limitados a casamentos e festivais locais, agora viajam pelo Facebook, WhatsApp e YouTube, abrindo caminho para um novo tipo de superstar tuaregue viral: Mdou Moctar, um Amante do príncipe deus da guitarra da cidade de Agadez. Ilana: A Criadora , o primeiro álbum oficial do Moctar com uma banda ao vivo, é uma escuta densa, tão impregnada na linguagem do psych-rock americano quanto na música de guitarra tuaregue. Músicas como Asshet Akal e Tarhatazed refratam os riffs de LED Zeppelin e Sábado Negro através de arranjos complexos presentes na música tuaregue desde pelo menos o ichumar canções de protesto dos anos 1990 .

Embora a dissidência política não seja tão central para a mensagem de Mdou Moctar quanto foi para antepassados ​​musicais como Tinariwen , o guitarrista e compositor tem sido um crítico ferrenho da relação pós-colonial da França com o Níger, chegando a chamar o povo nigeriano escravos modernos em uma entrevista recente. Os mesmos minerais de conflito que tornam as redes de música da África Ocidental (e a crescente celebridade internacional de Mdou Moctar) ainda possíveis são construídos sobre as desigualdades fundamentais do capitalismo global, uma ironia que não passa despercebida pelo músico em suas composições. Ilana, a oitava música e faixa-título do álbum, é uma meditação estendida sobre o sofrimento das mulheres no deserto. Muitas das letras mais nítidas do álbum chamam a atenção para desafios que são em grande parte invisíveis para os americanos por design. Ainda, Ilana: A Criadora não é apenas um álbum de preocupações críticas inebriantes, e sempre mantém a guitarra de tirar o fôlego de Moctar como seu ponto focal. Se você está aqui para solos de derreter rostos ou críticas políticas diretas, ninguém gosta dele. — ROB ARCAND

7. Bill Orcutt
Probabilidades contra amanhã

Seja solo ou como membro de um conjunto, tocando a música de guitarra fraturada e a eletrônica experimental que definiram sua produção na última década ou a rajada punk uivante de sua banda dos anos 90 Harry Pussy, Bill Orcutt geralmente não faz música para os fracos de coração.Sobre Probabilidades contra amanhã, ele larga seu fiel violão e pega um elétrico, diminui a intensidade apenas um pouco, e vem com os sons mais bonitos de sua carreira até agora. Para encontrar um ponto de comparação para um álbum anterior como o de 2009 Uma nova maneira de pagar dívidas antigas , você pode procurar alguma escultura contemporânea retorcida antes de considerar qualquer peça específica de música que não seja de Bill Orcutt, tão idiossincrático e visceralmente tátil eram seus nós frágeis de guitarra. Essa qualidade densa e dissonante ainda está aqui, mas aparece com moderação, em momentos de clímax emocionante em composições que são líricas e claras. A música geralmente começa com quietude e se move gradualmente em direção ao frenesi, sem nunca mudar seu caráter essencial: os momentos tranquilos são sutilmente ferozes e os picos são tranquilos e extáticos. Probabilidades contra amanhã é generoso, mas intransigente,e transfixando desde a primeira nota em diante,apresentando um mestre no auge de sua prática. — ANDY CUSH

6. Freddie Gibbs / Madlib
Bandana

Poderíamos falar sobre Freddie Gibbs o controle da respiração de no segundo verso de Situações, ou Madlib A batida de Half Manne Half Cocaine e Fake Names, mas o virtuosismo técnico dessa dupla nem é preciso dizer. Seu segundo álbum é um dos melhores do ano por causa das coisas surpreendentes que fazem com esse virtuosismo. Madlib projeta os vocais - com camadas estranhas e pontos de brilho metálico - tão divertidamente quanto qualquer um desde os dias de Quasimoto. E Gibbs faz grandes mudanças políticas.

Para todos Bandana vívidas memórias de cocaína e piadas da NBA, a alma do álbum está em músicas como Flat Tummy Tea e Palmolive, em que Freddie enquadra sua história contra a história: América era o nome da porra da empresa / Stackin' n*ggas like cargo over and debaixo de mim; Foda-se os quarenta acres e a mula / Eles nos deram os males dos manos / Panelas quentes, colheres e agulhas. Se o escopo do tratado de tráfico de drogas de Bandana não estiver claro até o final, Soul Right, a faixa final, deixa isso explícito: uma maldição para a policial assassina de Oklahoma Betty Shelby, uma cena distópica de violência realizada por robôs policiais, uma oração para encerrar as coisas. Esta é a sequência rara que supera o original. —TOSTEN BURKS

5. Galhos FKA
Madalena

Inspirando-se em seu rompimento de 2017 com o ator Robert Pattinson, galhos FKA O segundo álbum é uma exploração emocionante do desgosto e da paranóia da imprensa tablóide refletida através do motivo bíblico de Maria Madalena. O primeiro LP completo da cantora em cinco anos conta com uma produção de estrelas – incluindo Nicolas Jaar, Skrillex, Cashmere Cat e Benny Blanco – para evocar um pano de fundo sobrenatural para as composições conceitualmente mais ambiciosas de Twigs até hoje.

Madalena A linguagem visual de 's é tão distinta quanto a própria música, caracterizada por pole dance delicadamente coreografada e esgrima em seus vídeos e performances. Esses floreios teatrais podem parecer truques para um artista menor, mas aqui eles cedem os holofotes à rara capacidade dos twigs de alquimizar empatia com sensibilidade melódica. Seu falsete marca registrada atinge novas alturas emocionais em Home With You, cujo refrão contrito pressagia o assombroso dia triste e a alegoria de Maria Madalena na primeira metade do álbum. No sublime celofane, a entrega torturada dos twigs torna a letra devastadora em sua simplicidade: Por que você não faz isso por mim? Quando tudo que eu faço é para você? Até mesmo o silenciado Mirrored Heart atrai aplausos em concerto por sua linha totalmente relacionável, É tudo para os amantes que tentam foder a dor. Todos nós já estivemos lá antes, mas raramente soa tão impressionante. — MATT MEDED

4. Anjo Olsen
Todos os espelhos

Angel Olsen tem uma voz de poder expressionista quase assustador. Está lá desde suas primeiras gravações, transmitindo escuridão interior e êxtase que o discurso simples teria dificuldade em descrever. Um tremor de vibrato anuncia uma nova fenda ao longo das linhas de falha entre dois amantes. Uma quebra no registro agudo vítreo chega como um raio de luz através de uma janela para os antigos quartos empoeirados da memória. Álbuns anteriores derivaram seu poder em parte da tensão entre esse instrumento sobrenatural e configurações musicais que eram bastante diretas e reconhecíveis, seja o folk indie gótico de sua estréia em 2012 A meio caminho de casa ou o rock glam dos anos 70 do espetacular de 2016 Minha Mulher.

Pela primeira vez em seu quarto álbum, Todos os espelhos, a música é tão estranha e arrebatadora quanto o canto. Olsen e seus colaboradores, que incluíam uma orquestra de 14 peças, construíram estonteantes edifícios rococós de cordas e eletrônica em torno de suas canções, que ocorrem principalmente após um longo relacionamento. Sintetizando elementos da música clássica do século 20, baladas melodramáticas pré-rock e pop contemporâneo elegante, Todos os espelhos enquadra desgosto e tédio em proporções mitológicas.

Olsen concluído Todos os espelhos depois de gravar uma versão acústica separada do álbum. É difícil imaginar como essa iteração inicial deve ter soado, então, de forma holística, as orquestrações do final Todos os espelhos emergem do núcleo do material. O arco emocional da escrita parece ditar a forma das composições: a extensão sinfônica da abertura Lark; o synthpop distorcido de New Love Cassette, que constrói uma faixa indelével de uma melodia de Mobius, então termina antes de você registrar o que está ouvindo como refrão. O acompanhamento muitas vezes serve não apenas para aumentar o sentimento das letras, mas para interpor, minar, iluminar possíveis subtextos, dobrar o sentimento em novas direções, salpicar com um tom inesperado.Um momento particularmente marcante vem na metade de What It Is, depois que Olsen castiga um ex: Você só queria esquecer / Que seu amor era cheio de merda. As cordas, que até agora ofereceram uma imagem de contenção majestosa, de repente mergulham e se agitam no ar, como se a própria música estivesse apontando e rindo para o cara. Este push-pull entre o cenário e o assunto torna Todos os espelhos O trabalho mais ambicioso e original de Olsen até agora. Os sons refletem as músicas, mas nem sempre fielmente; como todos os espelhos, eles só mostram o que você está disposto a ver. — ANDY CUSH

3. Lana Del Rey
Norman Maldito Rockwell!

Em seu quinto e mais emocionante álbum de estúdio, lã do rei se estabelece como uma arquiteta magistral, construindo ambientes intrincados dentro de cada música. O mundo de Norman Maldito Rockwell! é sedutoramente sombrio, complexo e desiludido, uma crítica incisiva do sonho americano como interpretado através do prisma das sensibilidades glamazon hollywoodianas de meados do século passado de Del Rey. Se Lana Del Rey não existisse, David Lynch teria que inventá-la. Felizmente, Lizzy Grant o derrotou.

A jornada ligeiramente psicodélica de Del Rey pela cena folk de Laurel Canyon dos anos 60 e 70 é aumentada por alusões astutas e apropriadas ao período de John Lennon e Yoko Ono, War Is Over (If You Want It) e o afogamento de Dennis Wilson, dos Beach Boys . Nunca um para ser rotulado, Del Rey lança um cover notavelmente sério e legitimamente encantador da banda SoCo dos anos 90 Sublime 's Doin' Time, e dá um tiro irônico em Kanye West O salto MAGA do salto com a linha descartável descrevendo o MC como loiro e desaparecido. Nunca diga que ela não tem senso de humor. — GARGANTA MAGGIE

2. Montanhas Roxas
Montanhas Roxas

Sempre que um artista morre, é difícil não ler em seu material mais recente em busca de sinais de onde as coisas deram errado. Para o músico-poeta David Berman , quem morreu por suicídio em agosto, os contornos confusos de uma vida de luta constante estavam sempre à vista. Seus seis álbuns com Judeus de Prata usou andarilhos bíblicos e cowboys bebedores como substitutos para o próprio estranhamento, ambos de um pai lobista que ele uma vez chamou de histórico mundial filho da puta filho da puta e de um mundo inundado de dúvidas, isolamento e apatia. Após uma suposta aposentadoria de 11 anos da música, passou dando leituras de poesia e coletando efêmeras artísticas em seu blog , Berman voltou um mês antes de sua morte com Montanhas Roxas , um novo projeto de composição e álbum homônimo que foi visivelmente separado de seu trabalho com Silver Jews.

Montanhas Roxas' canções como Nights That Won't Happen e All My Happiness Is Gone lançam a câmera sobre as imagens de olhos turvos de outrora, encontrando novo peso no auto-exame terno. Com base no mesmo tipo de instantâneos parcos e solipsistas que há muito definiram sua poesia, Berman explorou a intimidade estéril de relacionamentos pessoais rompidos. Ele até escreveu um bastante canção de separação simples . Mas mesmo em seu estado mais angustiado, Montanhas Roxas compartilha uma certa qualidade discreta e de chorar na cerveja com o trabalho anterior de Berman. Músicas como a perversamente alegre de abertura That's Just The Way I Feel, com seus elogios engraçados de uma década passada jogando frango com o esquecimento e os incessantes banquetes de schadenfreude que os inimigos de Berman desfrutaram às suas custas, tornam-se o tipo mais negro de tragicomédia na esteira de sua morte. Se Berman está preso na paralisia motivacional ou bebendo Margaritas no shopping, sua franqueza sobre sua própria situação dá Montanhas Roxas seu poder angustiante - mesmo que ele não possa deixar de rir de si mesmo no final. — ROB ARCAND

1. Grande Ladrão
Duas mãos

A paisagem emocional de Duas mãos está rachado e cru, tão sem limites e tão frágil quanto o coração. O antecessor do álbum, U.F.O.F. , lançado apenas alguns meses antes, parecia relativamente escorregadio e indefinido, quando a compositora Adrianne Lenker canalizou o imenso poder de sua voz em algo como um sussurro caloroso.

Aqui, o anseio é mais palpável, a instrumentação mais tátil e a intimidade mais extrema. Há dor e cura em uma escala quase geológica em seu gorjeio estriado: imagens de corpos e plantas embutidos em solo comum e desfiladeiros que ficam presos em sua garganta. Canalizando Nick Drake em Wolf, Lenker traça a felicidade em termos naturalistas, sugerindo que estamos tão perto da terra quanto estamos uns dos outros. Um calafrio existencial permeia a faixa-título: Stone-faced in the light / The air, and the irregular bite / Cold air, the Wisdom of the night / Between us. É o ar que nos conecta, mesmo quando perdemos o contato com o planeta e com nós mesmos. Revigorado pelo vento, pela chuva e pela promessa de refúgio, Dois Mãos é um apelo para a recalibração cósmica e para uma sensibilidade renovada em relação a um mundo à beira. — VAI BÊNÇÃOS

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