Os 300 melhores álbuns dos últimos 30 anos (1985-2014)

60. Fim de semana de vampiros, Vampiros modernos da cidade
(XL, 2013)

É este o destino que metade do mundo planejou para mim? Ezra Koenig canta a música mais viciante de sua carreira, embora haja muita competição, incluindo o volume de referência Canon em D rip que o segue. Mas Unbelievers é onde o R.E.M. to Arcade Fire's U2 descarta Upper West Side Soweto e se concentra em ser a grande banda de rock americana, completa com John Philip Sousa-for-pennywhistle colapso. Essas mudanças visam evocar uma generosidade de ambição e uma concentração da mente. Não há mais guitarra soukous de linha limpa ou batidas de ska - este álbum é sobre peso: rockabilly com mudança de tom (Diane Young), gospel de torcer a língua (Worship You) e a música mais cerebral de quadrados de indie-rock desde Once in a Lifetime: Ya Hey, onde Koenig pergunta a Deus, Quem poderia viver dessa maneira? depois que o Senhor nem mesmo diz seu próprio nome. O músico gosta do grandalhão, um DJ, que segue Desmond Dekker para os Rolling Stones. Você não faria? — E WEISS

59. Kanye West, O abandono da faculdade
(Roc A Fella, 2004)

do Kanye Cair fora claramente entrelaça as raízes da narrativa interestelar que ele criou desde então com suas origens lutadas em Chicago, é partes iguais sobre a chegada do produtor que virou rapper (ano passado comprando minha demo, eu estava tentando brilhar / Todo filho da puta ** ker me disse que eu não sabia rimar) e as inseguranças que vêm de tentar sucatear pelo seu estrelato. All Falls Down continua sendo a maior música de rap com guitarra do século (desculpe Lose Yourself), Jesus Walks ainda comanda o silêncio em arenas, e Through the Wire supera sua própria premissa facilmente descartável como um truque (Eles não podem me impedir de fazer rap, eles podem? Eu cuspo isso pelo fio, cara) graças à sua excelente produção (obrigado Ano! ) e Jeromey-romey-romey-rome hashtag rima (Houve um acidente como GEICO / Eles pensaram que eu estava queimado como Pepsi fez Michael). Desde então, ele se tornou um gênio de olhos turvos em busca de sua próxima inovação, mas em Cair fora , ele era apenas uma criança, fazendo o possível para deixar sua mãe orgulhosa. — BRENNAN CARLEY



58. Sleater-Kinney, O bosque
(Subpop, 2005)

Pareceu por um tempo que O bosque pode ter sido o fim para Sleater-Kinney. Depois de uma década de discos de rock espinhosos e recuados que tinham dívidas iguais com o rock art distorcido e, uh, Springsteen , o trio de punks do Noroeste do Pacífico superou todos os esforços que fizeram antes e depois desapareceu - como se essa corrida de anfetaminas brilhantemente efervescente exigisse mais uma década de repouso para se recuperar. A abertura do álbum The Fox rapidamente explode em uma das faixas mais furiosamente explodidas que a banda já lançou, mas O bosque permanece uma revelação porque os heróis do punk se entregaram a uma série de impulsos extremamente divergentes que seus trabalhos anteriores apenas sugeriram. Os solos de guitarra descomprometidos ao longo do curso satisfazem as influências do rock clássico que seu início de carreira capa de mais do que um sentimento apontada, enquanto a produção estourada os empurra cada vez mais para perto dos gnarls tufos de seus contemporâneos mais distorcidos. Eles estão volte agora e se engajar nesse tipo de tensão estilística mais uma vez, mas se Sleater-Kinney tivesse decidido recusar um segundo ato, O bosque teria sido a despedida perfeita para uma carreira variada e inflamatória no rock. No momento eles saíram com um estrondo e um estrondo, com O bosque não como uma cereja, mas como uma bomba de cereja em cima de tudo o que a precedeu. — COLIN JOYCE

57. Guns N' Roses, Apetite para a destruição
(Geffen, 1987)

O metal no glam metal começou a driblar uma sucessão de gestos pop cada vez mais ternos e cada vez mais bem-sucedidos dos caras do rock sem rosto, enquanto os anos 80 passavam da metade do caminho, mas o Guns N' Roses queimou a rede como fogo de limpeza. Formado quando os refugiados do hard rock L.A. Guns e Hollywood Rose se fundiram em uma joint venture, o GNR lançou sua estreia Apetite para a destruição em 1987. Apetite fez jus ao seu nome, narrando as emoções baratas e as armadilhas da vida rápida em uma cidade extensa e indiferente.

Sweet Child o' Mine mostrou habilmente os solos escaldantes do guitarrista Slash e a construção de riffs, a profundidade e o alcance do vocalista Axl Rose, e a suspensão da seção rítmica ao passar de uma balada ensolarada para algo semelhante a terror. Cortes como Welcome to the Jungle, It's So Easy e Mr. Brownstone exploraram o selvagem gancho e puxão das drogas pesadas que ameaçavam destruir a banda e sua cena. O quinteto parecia e soava como uma manifestação física do ventre decadente de Los Angeles, a sujeira sob o brilho da Sunset Strip se tornando consciente. — CRAIG JENKINS

56. Lil Wayne, Tha Carter III
(Motown/Cash Money, 2008)

Lil Wayne inaugurou a era dos álbuns de rap não precisando ser sobre nada, o que teve seus inconvenientes , mas seu clássico de pedra(r) não é um deles porque ressuscitou a arte do que costumava ser chamado de rima por causa de riddlin'. Cárter III fala um pouco sobre o quão infatigável Mr. Carter é, claro, mas também fala sobre como ele é um alienígena, como ele tem dinheiro, como ele é um médico que faz cirurgias em MCs malucos e como ele verdade foda-se a polícia. A Milli não custa cerca de um milhão de dólares, trata-se de fazer um loop do dispositivo rítmico mais contundente para enfatizar seu fluxo e destreza e de quantas maneiras um linguista pode dobrar uma sílaba aos seus caprichos dentados. Let the Beat Build é sobre como uma grande batida de Kanye West não precisa tentar melhorar em uma máquina de movimento perpétuo impecável de uma amostra de alma de dois compassos. E se você conseguir uma edição japonesa que substitua Playing With Fire, o mais fraco do show, pelo épico Pussy Monster, combine-o com o simpático boquete nº 1 Lollipop e você entenderá por que ele é o rapper mais ginefílico vivo. — E WEISS

55. A Corrente Jesus e Maria, Psicodoce
(Preto e Branco, 1985)

O álbum de estreia do Jesus and Mary Chain chegou no mesmo ano que o New Coke, e sua fórmula básica poderia não ter durado mais. Psicodoce combina melodias doces do lado mais suave do pop dos anos 60 com feedback estridente, bateria forte e reverberação cavernosa. Em músicas de ritmo mais lento, como Cut Dead, não está longe do baterista indie-pop que Bobby Gillespie cantaria com a primeira encarnação de sua banda Primal Scream, como capturado um ano depois na influente compilação C86. Mas a exploração das possibilidades do noise pelo JAMC abriria caminho para o shoegaze e influenciaria mais diretamente toda uma geração de bandas dignas, desde os Raveonettes e A Place to Bury Strangers até os Manhattan Love Suicides. Não faz mal que a abertura do LP Just Like Honey seja uma execução quase perfeita do conceito de Phil Spector-meets-noise. Aquele aceno crucial de Sofia Coppola Perdido na tradução ? E a colaboração do Coachella com Scarlett Johansson? Desde seus primeiros e famosos shows breves, os irmãos Reid sempre agiu como grandes estrelas do rock, então por que não deixá-los desfrutar do reconhecimento atrasado? — MARC HOGAN

54. Janet Jackson, Janet Jackson's Rhythm Nation 1814
(A&M, 1989)

Esqueça Michael, vamos falar sobre sua irmãzinha - oops, a Miss Jackson já crescida. Sexy, seguro de si e socialmente consciente, o quarto álbum de Janet é de cair o queixo no grande número de singles de sucesso que produziu. A furtiva e sedutora Miss You Much é o ápice do dance-pop dos anos 80; Love Will Never Do (Without You) é um hino inesquecível mesmo sem o icônico Vídeo dirigido por Herb Ritts . E embora o time dos sonhos de Jimmy Jam e Terry Lewis transforme tudo em ouro, Jackson foi pouco reconhecido por ser o coprodutor do álbum também. No processo, ela se tornou uma estrela da virada da década tão grande quanto Madonna, e talvez até maior que seu irmão. — CASACO DE REBECCA

53. PJ Harvey, Livrar de mim
(Ilha, 1993)

Polly Jean Harvey imbuiu seu segundo álbum com tanta crueza - crueza como carne sangrando - em seus gemidos fúnebres e na produção de metal de Steve Albini, que Missed poderia dizer respeito a um amante falecido ou um grande pau (ou um ligado ao outro ). No veículo off-road disfarçado de solteiro (50 pés Queenie), ela mesma usa o pênis e cresce dez polegadas a cada refrão, para desgosto ou prazer de seu Casanova. Até Tarzan luta com uma Me-Jane menstrual – ninguém reimagina homens míticos como Harvey. Se não for muito #noallmen para mencionar, sua banda merece crédito por descentralizar as assinaturas de tempo nesses massacres esfarrapados do grunge-blues. Raramente um álbum sobre prazer soou tão doloroso – todo atrito aqui termina em sangramento, e esses ferimentos são lambidos de novo – assim como uma vida sexual real. — E WEISS

52. De La Soul, 3 pés de altura e subindo
(Tommy Boy, 1989)

Hippies? Touro plug puro, sez Posdnuos. Mais como os afromodernistas dos subúrbios da Ilha Strong, coloridos da mesma forma: paixões da classe inglesa, anúncios da Guarda Direita, rimas. No entanto, eles também alertaram contra o uso de guetos como bodes expiatórios, esmagando preventivamente aquela margarida sob os pés. E nas mãos capazes de Prince Paul, a equipe garantiu que sua fetichização de vinil crackle se destacasse mesmo em uma época conhecida por samplers. Esse passeio estava quase no fim (obrigado, Turtles; obrigado, Gilbert O'Sullivan). Mas o Homem não conseguiu abafar o Bob Dorough/Steinski salto de The Magic Number, nem Eye Know, a carta de amor mais beijada pelo sol do hip-hop. — JASON GUBBELS

51. Hüsker Dü, Novo dia nascendo
(SST, 1985)

No espaço de um ano e meio, Hüsker Dü quase sozinho revolucionou o rock underground ao lançar três LPs clássicos: Zen Arcade , Novo dia nascendo , e Vire sua peruca . Cada um tem seus méritos, mas é o esforço intermediário que surgiu como a ponte perfeita entre o passado livre do trio e o futuro mais simplificado. Abrasões punk e hardcore (If I Told You, 59 Times The Pain) bateram contra clássicos do noise-pop (The Girl Who Lives On Heaven Hill, I Apologize), mesmo quando outras músicas mais exóticas abraçaram jazzbos, bandas de bar blues e skronky atos pós-punk. Há uma boa razão pela qual I Apologize e Celebrated Summer ainda são itens básicos dos setlists do vocalista Bob Mould hoje: Novo dia nascendo As composições de 's são ferozes, focadas e atemporais. — ANNIE ZALESKI

50. Eminem LP Marshall Mathers
(Interscope, 2000)

Alguns compreensivelmente pensam que o rapper mais vendido de todos os tempos inaugurou a infeliz era da trollagem na Internet. Mas o que seu Ótimo trabalho realmente foi responder a uma pergunta que está pairando desde 1955: Até onde o rock'n'roll pode ir? Eminem esculpe a linha exata entre a música social e o comportamento anti-social com uma motosserra e depois a usa para cutucar a cara de todos do outro lado. Mick Jagger cantou sobre pintá-lo de preto, e Roger Daltrey esperava ser um cadáver antes de parecer um, mas Eminem queria tirar sarro de algo doloroso. E eis que ele se machucou: mãe abusiva, mãe abusiva do bebê, abusiva, uh, auto - se suas fantasias de afogar o sofrido Kim Mathers forem compradas.

E é aí que ele te pega: primeiro rapper da história que não quer ser acreditado. Suas fantasias de estupro de mãe e respingos de LFO são meticulosamente P-R-E-T-E-N-D porque é isso que ele está vendendo – imaginação e destreza verbal, não experiência com artilharia ou gênio do crime. Who Knew é um olhar honesto sobre a mudança de superstar da luta de rap no refeitório para a preocupação se os ouvintes adolescentes vão dar vida às suas rimas mais violentas. Os desenhos animados The Real Slim Shady é a razão pela qual as crianças estão copiando ele em primeiro lugar. E não se esqueça de Kill You, onde o auto-descrito assassino em série escondendo material de assassinato em uma caixa de cereal em cima de seu aparelho de som afirma ter inventado a violência. Seria tudo cansativo se não fosse um dos filmes mais estressantes já definidos: o lamento do fã perturbado (Stan), o homicídio sufocado pelas lágrimas (Kim), a farra da primeira emenda gay (Criminal), tudo bombeado através de sintaxe de tiro rápido e veias protuberantes do pescoço, como balas para seu centro moral. — E WEISS

49. Wilco, Yankee Hotel Foxtrot
(Nonesuch, 2002)

É uma coisa quase impossível de imaginar: um grupo com uma pista estabelecida virando à esquerda em território experimental e encontrando seu maior público ainda, já lá, esperando. Mas Yankee Hotel Foxtrot é assim - impossível de muitas maneiras. Houve o drama da gravadora, é claro, que resultou em Wilco sendo dispensado por uma subsidiária da Warner, vazando esse álbum de fim de carreira e depois vendendo-o de volta a um prêmio para outra gravadora da Warner quando todos perceberam que era brilhante. Houve o drama da banda, que foi uma chatice, mas de alguma forma criou uma química feroz.

Havia o fato de que estava programado para ser lançado em 11 de setembro, que foi feito antes daquele dia terrível, e ainda parece cheio de referências abertas, desde as torres gêmeas de Marina City na capa, até uma música chamada Ashes of American Bandeiras, para letras como, Edifícios altos tremem / Vozes escapam cantando canções tristes, tristes... / Arranha-céus estão se juntando. Parecia catarse, embora não fosse para ser. Mas mais do que tudo, a proporção perfeita de sinal para ruído, as letras que alinham poesia ampla com confissão pessoal, a cativante inexplicável, as performances incríveis, as camadas experientes de texturas densas e o coração que brilha… Não deveria ser possível, mas aqui está. — CHRIS MARTINS

48. Pregos de nove polegadas, A espiral descendente
(Interscope/Nada, 1994)

O frontman do Nine Inch Nails, Trent Reznor, tornou-se uma estrela da MTV com o subversivo, mas acessível, de 1989. Linda máquina de ódio deixou claro, mas foi o lançamento de 1992 ultra-agressivo, emocionalmente mais confuso Quebrado EP que comunicou que ele e a banda tinham ambições muito mais sombrias. Digitar A espiral descendente . Tomados separadamente, os detalhes do segundo álbum do NIN – batidas industriais ameaçadoras, guitarras metálicas e programação eletrônica furtiva – não eram nada revolucionários. Mas quando combinados com o niilismo, desespero e tendências destrutivas de Reznor (além da co-produção do craque do estúdio de rock alternativo Flood), esses componentes se tornaram a base de um sucesso de bilheteria genuíno nascido do submundo.

Interlúdios instrumentais assustadores amplificaram a vibração do filme de terror (uma aura inquietante reforçada pelo fato de que Espiral foi gravado na casa onde a família Manson assassinou a atriz Sharon Tate), enquanto o talento de Reznor para ganchos de infiltração - como ouvido no manifesto S&M Closer, o lindamente entrópico Hurt, e até mesmo a punitiva e ritmicamente inescrutável March of the Pigs – deixou cair uma cereja no topo do sundae autodepreciativo do disco. O álbum foi nuclear e tornou o NIN emblemático de uma certa tensão de desafeto, que provou durar muito mais que a década de 1990. — ANNIE ZALESKI

47. Sistema de som LCD, som de prata
(Capitol/DFA, 2007)

Em certo sentido, som de prata é uma nota longa para a cidade de Nova York - o bom (All My Friends, espalhado pelo piano), o ruim (a balada vacilante e incendiária New York, I Love You But You're Bringing Me Down) e o orgulhoso (os cidadãos que veem NYC como o centro do universo, eis a escória norte-americana). Mas o verdadeiro gênio de James Murphy foi sua capacidade de capturar verdades universais (por exemplo, o chocalho de morte de Someone Great) e a maneira como ele e sua banda fizeram com que as influências familiares de new wave, synth-pop, house e dance-punk soassem frescas. — ANNIE ZALESKI

46. ​​Rato Modesto, A Lua e a Antártida
(Épico, 2000)

Nem todo mundo consegue visitar a lua real ou a Antártica, mas o terceiro LP do Modest Mouse (e estreia em uma grande gravadora) é gelado e escuro o suficiente para parecer um substituto isolado e abaixo de zero. O contato humano não faria muita diferença, no entanto: ninguém realmente conhece aqueles que eles amam, afirma o vocalista Isaac Brock nas vidas miseravelmente circulares. A declaração mais completa dos rabugentos mais populares do Noroeste não cede em nenhum outro lugar. Mais de 15 faixas e 59 minutos, A Lua e a Antártida transmite o estado mental enlouquecido e de brinquedo de Brock em detalhes de grande orçamento, combinando instrumentação nublada e atmosfera cavernosa com verdades pungentes como A vida de todos termina, mas ninguém a completa. Curiosamente, o futuro Favoritos de Seth Cohen passou a alcançar o sucesso mainstream genuíno, mas os camundongos não mais modestos nunca foram mais cautelosos ou de longo alcance do que quando trocaram o oeste solitário e lotado pela introspecção intergaláctica. — RACHEL BRODSKY

45. Kendrick Lamar, bom garoto, m.A.A.d. cidade
(Interscope/Consequências, 2012)

O rapper de Compton Kendrick Lamar provou ser um letrista surpreendente em lançamentos iniciais como O (verdadeiramente) D (educado) e Seção. 80 , mas a ambição titânica de sua estreia na Interscope Records, bom garoto, m.A.A.d cidade , lançou-o em vendas de platina em um brusco atado e uma noite escura da alma. Partes iguais de tragédia grega e filme de John Singleton, o épico de 12 faixas traça a descida de seu adolescente titular ao crime e possivelmente à morte – uma série de eventos auxiliados por uma dosagem acidental de PCP e um grupo de amigos desordeiros. Cair no esquecimento é mais fácil do que parece, a encenação elegíaca e equilibrada de Kendrick diz com os erros e infortúnios friamente orquestrados que iniciam a ruína de nosso bom filho. — CRAIG JENKINS

44. Pavimento, Chuva torta, chuva torta
(Matador, 1994)

Se sua estréia zumbiu com o barulho do barulho do porão, o acompanhamento do Pavement ao de 1992 Inclinado e Encantado deu a cinco cabeças de ovos de Stockton espaço para refinar seu ataque musical. E enquanto eles continuavam aprofundando a psicodelia a cada lançamento sucessivo, aqui é onde eles tropeçaram pela primeira vez na grandeza do prog-slop, balançando e saltando através de refrões dourados com tantas mudanças de assinatura de tempo quanto o bom e velho Gentle Giant. Apesar de toda a sua lendária reputação como músicos despreocupados, o que se destaca não é o desleixo mencionado acima, mas a atenção cuidadosa da banda aos detalhes sonoros - o expressivo trabalho de prato de Steve West, os cabos de guitarra entrelaçados de SM/Spiral.

Cada refrão e escárnio abre caminho para a memória, desde ganchos alegremente roubados (Silence Kid tocando Buddy Holly's Everyday) até ooh-oohs esfarrapados enfeitando considerações lacônicas de novas bandas especiais. E se poucas roupas independentes tinham o hábito de insistir que o obscurantismo poderia ser cativante, nem tudo eram piadas internas e vislumbres do paraíso da pós-graduação. Em meio a walkmans desbotados e solteiros elegantes, os garotos do Central Valley hasteavam orgulhosamente sua bandeira de aberrações territoriais, seja por meio de um grito para Dave Brubeck, nativo de Contra Costa, ou no hino da NorCal Unfair, que levantou uma taça metafórica para o Vale Owens ao proclamar que o Sul leva o que o Norte entrega. — JASON GUBBELS

43. Neutral Milk Hotel, No avião sobre o mar
(Fusão, 1998)

Se você acredita em fantasmas – e se não acredita, este álbum pode convencê-lo – então No avião sobre o mar é a segunda obra mais famosa de Anne Frank. A tradição aqui é indispensável para a estranheza incrível e não afetada deste LP: o gênio da música eremita Jeff Mangum - co-fundador do coletivo de psych-pop Elephant 6 da Geórgia - pegou uma cópia de O diário de uma jovem . Ele leu de capa a capa, chorou por dias e então começou a sonhar com uma máquina do tempo que o enviou de volta à década de 1940 para salvar a vítima adolescente do Holocausto.

As letras soberbamente evocativas, mas profundamente surreais, então se escreveram, ou algo assim. Enquanto Mangum canta na faixa-título, o fantasma de Anna está por toda parte / Ouço a voz dela enquanto rola e ressoa através de mim. Um homem possuído, ele registrou histórias de meninos de duas cabeças que fabricam rádios, gêmeos siameses consumidos por uma fera gigante, cumes de montanhas manchados de sêmen, cães dissolvendo e cascavéis sagrados. E sua voz ressoou, uma coisa crua e poderosa sacudindo os corpos dos instrumentos que seus amigos haviam acumulado – serras cantantes, gaitas de foles, banjos, guitarras, metais, máquinas de fitas, órgãos, baterias, acordeões – para dar a esses sons estranhos e terrosos. canções a majestosa orquestra plebeia que eles mereciam. Embora o Neutral Milk Hotel tenha feito um álbum antes (1996 Na Ilha Avery ), a formação que criou Avião conheci apenas uma vez em estúdio. O que eles capturaram foi um momento, impossível de replicar, onde brilhantismo, história e insanidade convergiram para um homem que nunca mais foi o mesmo. — CHRIS MARTINS

42. M.I.A. Kala
(XL/Interscope, 2007)

A fusão mundial é tão errada para este poptivista de Hounslow-by-way-of-Sri-Lanka. Você acha que Putumayo aceitaria conselhos sobre lançar coquetéis molotov, incorporar tiros como tiros na borda, baladas de amor envolvendo jornalistas em turnês de conscientização sobre o genocídio e versos convidados de rappers aborígenes pré-adolescentes? Tweedle de sintetizador estridente, bateria urumee misturada com rave sonics, enxágue, ensaboe, repita até que emoção e aborrecimento se tornem um - você diz que é extravagante como se isso fosse uma coisa ruim. Este é o som de todas as festas e corridas de táxi de Bamako a Kuala Lumpur. O truque de M.I.A. era fazer disso um agitprop. — JASON GUBBELS

41. Elliot Smith, Ou
(Matar Estrelas do Rock, 1997)

A peça por excelência de um artesão indie-folk reverenciado por sua habilidade sobrenatural com melodia, lirismo poético e ética de trabalho dedicada. O terceiro álbum de Elliott Smith - e final para o posto avançado Kill Rock Stars do Noroeste do Pacífico - lhe rendeu um número maior de seguidores, a atenção do cineasta Gus Van Sant (que acabou levando a uma indicação ao Oscar) e um contrato com uma grande gravadora; tudo muito bem, mas a razão Ou perdura como o maior legado do falecido cantor e compositor é sua intimidade tranquila e discreta. Iluminada com o calor da hora mágica e mergulhada em tons outonais, a coleção de 12 faixas transmite uma qualidade caseira que é sublinhada pelas batidas feridas de Smith, sua voz quase trêmula e uma perspectiva de monólogo interno que oscila entre fatalista (A correção está em, da Alameda) e esperançoso (o titular do mais próximo Diga sim). Ele posteriormente passou a fazer um par de LPs bem-sucedidos e polidos, mas Smith nunca foi mais pessoal do que ele neste ponto de virada. — KYLE MCGOVERN

40. OutKast, Stankonia
(La Face, 2000)

As pessoas ainda estão tentando nos entender, André 3000 comentou do palco durante o último show na cidade natal de sua recente turnê de reencontro com o parceiro do OutKast Big Boi, no Centennial Park de Atlanta em setembro passado. Começando com a estreia em 1994 Southernplayalisticadillacmuzik , a dupla fez uma arte de desafiar a compreensão fácil, sempre apresentando apelo superficial suficiente para dar às pessoas uma razão para tentar. Parte de seu dom estava em estabelecer dicotomias, depois subvertê-las: diante das divisões entre consciente ou rua, jogador ou poeta, familiar ou futurista, cada membro do OutKast encontrou maneiras de ser ambos e, no processo, tornar-se mais do que a soma dessas partes. .

Os partidários do rap da Costa Leste ou da Costa Oeste não podiam mais zombar do famoso pronunciamento de 1995 de André 3000 de que o Sul tinha algo a dizer; entre o choque profético do baixo e o temor de B.O.B., a engenhosamente adulta canção de separação de Ms. Jackson, ou a fanfarronice suavemente absurda de So Fresh, So Clean, OutKast projetou um espaço vasto o suficiente para dizê-lo que justificava sua autodescrição quase-extraterrestre como ATLiens . Desde então, sua cidade passou a governar o hip-hop, e Stankonia Run the Jewels, do convidado Killer Mike, teve um dos melhores álbuns de 2014, mas a ambição desmedida deste disco oferece muito mais para descompactar. — MARC HOGAN

39. Enterro, Falso
(Hiperdub, 2007)

Neste ponto, Burial tem tanto a ver com dubstep quanto Led Zeppelin IV fez com metal. Pense pop, R&B – especialmente R&B. Como um mope anônimo fez o que seus ancestrais rastejantes e downtempo, Tricky e Portishead, não conseguiram, e mudou tudo na música baseada em batidas do jeito que o Nirvana deixou cair as pernas do hair metal? Talvez por se envolver com o mundo exterior: este bar-setter supostamente insular para o minimalismo assimilou Xtina, Beyoncé, cápsulas de conchas de Grand Theft Auto , e o f**kboy da fita de sexo de Kim K para tornar o mundo pop cinza e danificado pela chuva e desacelerá-lo. Nunca drogado, e muitas vezes melódico, a mosca anônima na parede da emo Britain nomeia uma vibe sombria no McDonalds porque ele sabe que é onde você estará ouvindo suas beatscapes pós-apocalípticas e tentadoramente embaralhadas. Tudo o que faltava em 2007 para completar o elo da cadeia era Drake. — E WEISS

38. Beyoncé, Beyoncé
(Colômbia, 2013)

Se o álbum está morto, pelo menos Beyoncé conseguiu dançar em seu túmulo. Kanye West provocou seu mais recente furor publicitário em premiação quando disse que Beck Fase da Manhã Álbum do Ano Grammy deveria ter ido para Beyoncé , mas em retrospectiva - os habituais Grammys-não-importam ressalvas à parte - seria como dar o prêmio de Melhor Homem de Aço para o martelo a vapor em vez de John Henry. Beyoncé paira sobre o zeitgeist recente, uma culminação de ideias até agora sobre o que o álbum pode ser, em um momento em que o álbum é uma ideia cada vez mais abstrata. O ex-cantor do Destiny's Child lançou muitos LPs fortes e cheios de sucesso, mas Beyoncé funciona melhor como uma declaração completa, aproveitando a influência invejável da indústria do serenata da Casa Branca e do soprador de fusíveis do Super Bowl para um conjunto de entretenimento aventureiro, coeso e plano que se baseia em Prince e Janet Jackson, rap de Houston e TV no rádio , O Grande Lebowski e o desastre do Challenger, fazer amor e aborto.

Onde o maior álbum do ano passado foi o bom, mas familiar de Taylor Swift 1989 , Beyoncé ajudou a empurrar a interseção hip-hop/R&B para mundos mais sombrios e independentes, como ouvido mais recentemente no Drake's Se você está lendo isso, é tarde demais . Ah sim: Outra semelhança entre os discos de Beyoncé e Drake é que ambos foram lançados sem aviso prévio (embora seja Advantage: Beyhive quando se trata de incluir um conjunto completo de visuais). Bem, desde Beyoncé Com a chegada da noite para o dia, a indústria fonográfica mudou para um único dia de lançamento global. E Painel publicitário A parada de álbuns mais conhecida da empresa não reflete mais as vendas puras de álbuns. No futuro, Beyoncé pode ser roubada de um prêmio de Melhor Unidade Equivalente a Álbum, mas no que diz respeito aos álbuns tradicionais como um todo, tanto em conteúdo quanto em forma (que no pop inerentemente se sobrepõem), este é difícil de superar. — MARC HOGAN

37. U2, Atenção bebê
(Ilha, 1991)

No que diz respeito às reinvenções de carreira, Atenção bebê se classifica lá em cima com Babe Ruth mudando de arremesso para rebatida: A maior banda de sua geração, conhecida principalmente por sua über-sinceridade de bater no peito (e ocasionalmente revirar o estômago), abandonando o blues e o coração americano para Berlim e pós-modernismo , e tornando-se mais popular do que nunca por isso. O LP seguinte ao overcooked de 1989 Chocalho e zumbido foi tão bem sucedido porque por mais que os rapazes de repente se importassem em empurrar o envelope - e realmente, apesar da então impressionante aceitação da banda de ritmos de dança derivados de Manchester e eletrônicos de Eno e guitarras digitalizadas, hoje o álbum soa tão inovador quanto Imagine Dragons - eles ainda se importavam muito mais em puxar as cordas do coração com as composições mais afiadas e pessoais da carreira de Bono.

O eternamente onipresente One recebe toda a atenção por sua universalidade, mas muito mais comovente foi a imponência devastadora do fim dos dias de So Cruel, as melodias crescentes e a co-dependência lírica de Ultraviolet, as metáforas desajeitadas e a urgência de discar bêbado de Who's Vai montar seus cavalos selvagens? Quase um quarto de século depois, ainda estamos esperando que o U2 puxe outro Atenção bebê , mas isso não significa que queremos que eles adotem a house holandesa ou a música trap: significa apenas que queremos que eles escrevam as melhores músicas do mundo novamente. — ANDREW UNDERBERGER

36. Inimigo Público, É preciso uma nação de milhões para nos segurar
(Def Jam, 1988)

O rap não começou como a CNN negra, assim como o rock’n’roll não começou como um veículo para rebelião, grunge ou punk. O Sugarhill Gang era uma ramificação da discoteca e o rap se formou em seus ritmos, trazendo o próprio groove à tona. Mas e se você distorcer o groove, interrompê-lo com arranhões, rasgá-lo em pedaços com invectivas esquerdistas e gritos estridentes errantes? Você pode acabar renascendo o rock'n'roll novamente. Chuck D é tão legal, tão calmo dentro de seu gemido irritado, tão inteligente entre as sobrancelhas franzidas de seus slogans. Ele assume a voz de um líder nacional, além de enfurecido e bem enunciado. E para seu ajudante, ele trouxe Flavor Flav, um bobo da corte com um relógio gigante, para o passeio, para que a turnê não ficasse muito séria. Esses são os dois polos do Public Enemy, todo mundo está no espectro: Terminator X, o DJ de cara de pedra com o nome ridículo; Professor Griff, o antissemita declarado tão supérfluo e antitético à mensagem do grupo quase parece que seu único trabalho é deixar as pessoas chateadas ; os dançarinos da Segurança do Primeiro Mundo que se vestem de militares para efeito irônico.

E por volta do segundo álbum do grupo, o Bomb Squad estava presente para aprimorar os ruídos viciosos do grupo para tocar o mais irregular possível: uma chaleira que rasga para frente e para trás como pano de fundo para Rebel Without a Pause, um riff exorbitante do Slayer que vivisseciona o She Watch Channel Zero?! e uma orquestra de buzinas e alarmes de automóveis eletrizando o famoso Bring the Noise. Os momentos de silêncio são igualmente perturbadores: o sax profundamente solitário no intersticial Show 'Em Whatcha Got, o piano psicodélico ao contrário que permite que Black Steel na Hora do Caos pinge suor paranoico por seis minutos e meio. Quem tentou esse tipo de brigada punk-jazz-Last Poets-metal desde então? Morto Prez? Eles chamaram a atenção de uma nação de milhões e nunca aparecerão em nenhum selo. – E WEISS

35. Celulose, Classe diferente
(Ilha, 1995)

Jarvis Cocker and Co. sempre pareciam os estadistas mais velhos do Britpop, provavelmente porque é exatamente isso que eles eram: Pulp estava chutando por mais de uma década antes de finalmente quebrar o mainstream com 1994. O dele e o dela . O do ano seguinte Classe diferente foi um sucesso ainda maior, principalmente porque a banda ainda tinha uma profunda reserva de observações irônicas sobre hierarquia social, envolvimentos românticos e noites debochadas à sua disposição. Talvez por isso Classe diferente soou exótico e sofisticado quando comparado a outros álbuns associados ao Britpop; Cocker desempenhou o papel de forasteiro sedutor - completo com arrulhos vocais teatrais, sussurros e intromissões dissimuladas - enquanto a música do disco foi inspirada pelo jazz noirish, cabaré gótico, synth-disco dos anos 80 e a poesia sombria e distorcida de Leonard Cohen. Sobre tudo, Classe diferente foi talvez o lançamento mais inteligente e profundo da década; quando Cocker exclamou, eu quero viver com pessoas comuns como você! funcionava tanto como um grito de guerra para desajustados quanto como uma queimadura doente velada. — ANNIE ZALESKI

34. Metallica, Mestre dos fantoches
(Electra, 1986)

Marco do Metallica Mestre dos fantoches é uma obra-prima vertiginosa de finais amargos e novos começos. Foi o primeiro lançamento da banda na Elektra Records após anos de turnês de construção de representantes pelas costas leste e oeste, mas também o último com o baixista fundador Cliff Burton, cuja morte prematura em um acidente de ônibus mudou a banda para sempre. Mestre é a joia da coroa da amada era do speed metal do Metallica, mas você pode ouvir trechos da futura acessibilidade do hard rock da banda nos momentos mais lentos. Em seu auge, o disco faz companheiros incomuns de abandono vertiginoso diabólico e complexidade estrutural meticulosa. O equilíbrio dificilmente foi mantido tão intensamente, antes ou depois. — CRAIG JENKINS

33. Radiohead, Criança A
(Capitólio, 2000)

Ele vem como drogas – um redemoinho narcótico quente/frio quando o tom atinge, fazendo com que os olhos rolem para trás e o corpo treme, as pernas se agitam e o pescoço estremece. Nada está em seu devido lugar, nem fisiologicamente nem musicalmente: Este não é o Radiohead que conhecemos; este não é o ritmo que reconhecemos; não era isso que queríamos ouvir. Depois OK Computador fez o rock soar novo novamente, Thom Yorke and Co. foram feitos para salvar todo o gênero da obsolescência rastejante. Em vez disso, eles abandonaram a arena de afundamento para as selvas celestiais de Aphex, Mingus, Björk, Reich e Faust.

A banda estava esgotada de expectativas tanto externas quanto internas, então eles mudaram toda a sua metodologia, deixando de lado seus instrumentos prescritos para trabalhar como um coletivo de produtores. Amostras, cordas, sintetizadores modulares, metais, gravações de campo, jam-outs brutos, manipulação de Pro Tools, guitarras com perucas e o santo ondes Martenot (um dos primeiros instrumentos eletrônicos, inventado em 1928) foram todos empregados por quem sentiu o impulso. Abençoada com o som misterioso de Yorke e o ouvido cinematográfico de Jonny Greenwood, a banda não podia deixar de ser maravilhosamente melodiosa, mesmo que tudo o que eles pretendessem se importar dessa vez fosse o padrão e o pulso. E talvez seja por isso Criança A é tão grande. Como um LP pós-rock e/ou eletrônico nem aqui nem ali, soa como nada mais (exceto Amnésico ), o que torna ainda mais distintamente Radiohead. — CHRIS MARTINS

32. Uma Tribo Chamada Busca, A Teoria Baixa
(Jive, 1991)

uma cena no fantástico documentário de 2011 de Michael Rapaport, Beats, Rhymes & Life: The Travels of A Tribe Called Quest , onde Q-Tip reflete sobre os primeiros dias dos exploradores do rap, quando chegou a hora de seguir a estréia do Tribe em 1990: 'Sophomore jinx?' Que porra é essa? eu vou fazer A Teoria Baixa . E assim ele fez. A segunda saída do ATCQ viu o contingente do Native Tongues' Queens aprofundar suas vibrações e outras coisas; ou seja, sua tela sonora e a interação entre os MCs principais Tip e Phife Dawg, que são muito possivelmente o melhor ato duplo de hip-hop de todos os tempos. (Claro, respeito eterno ao DJ/produtor da Tribe Ali Shaheed Muhammad – a resposta do rap alternativo a Krist Novoselic – e às vezes ao membro Jarobi White.)

Absorvendo a atmosfera e o espírito do jazz, Tribe (ajudado em uma faixa pelo lendário contrabaixista Ron Carter) elaborou uma tapeçaria minimalista e suave sobre a qual Tip desfraldou seu fluxo Butter-y e Phife tocou folha alta. Ao retransmitir memórias de seus dias de salada no boulevard de Linden (Check the Rhime), criticar a indústria da música (Show Business) e refletir sobre as relações de gênero (O que homens e mulheres precisam fazer é ficar juntos / Progressões não podem ser feito se estivermos separados para sempre), A Tribe Called Quest foi pensativo (consciente, se você preferir) sem ser pregador, descontraído sem ser covarde. Está no ponto, Phife? Sempre, Dica. — KYLE MCGOVERN

31. Weezer, Weezer (álbum azul)
(DGC, 1994)

Minhas dez coisas favoritas sobre The Blue Album, em nenhuma ordem específica:
1. As palmas no final de Buddy Holly.
2. Como a combinação de vocal principal e backing vocal em I'm goin' surfin faz parecer que Rivers está dizendo surfing em Surf Wax America.
3. A guitarra soando sustentada do refrão final pairando sobre o riff final de Say It Ain't So.
Quatro. E SABE O QUE MAIS?!?!?
5. O som de garage ao som de uma sílaba no refrão de In the Garage. (Brincadeira, essa é a única coisa sobre o álbum que eu nunca poderia suportar.)
6. A transição vocal de oitava acima no final do segundo pré-refrão para The World Has Turned and Left Me Here.
7. A introdução de bateria para Undone — The Sweater Song, duh.
8. HEEEAAA-ARRRRT !! BEEEEEEEEEEEEEEEEEEEEE!!
9. O baixo finalmente rompendo o padrão e se esgotando no final de Only in Dreams.
10. O fato de sua lista ser, sem dúvida, totalmente diferente desta. — ANDREW UNDERBERGER

30. Beck, Odelay
(DGC, 1996)

Não é uma coisa fácil acabar em uma lista como essa, mas ajuda a ser uma combinação de triste, introvertido e desagradável – muito mais raro nessas partes é o álbum genuinamente divertido. Mas aqui está Odelay , um playground musical pós-moderno que inspirou os críticos a trocar risadinhas por risadas na barriga, e o mainstream a ficar ainda mais absurdo. Se high-fives fizessem músicas, elas soariam assim – mash-ups alegres de tudo o que é incrível, de quebras de bateria funky a country cowboy de karaokê, funk de lounge pateta, guitarras barulhentas, frases sem sentido em espanhol e raps sobre bunda calça.

O apetite onívoro de Beck ficou claro Ouro suave – e seu desejo de desconstrução de gênero através de seus LPs indie – mas ele não tinha os Dust Brothers na época. Quem melhor que o loja do paulo caras para ajudar um santo brincalhão a tornar seu sonho uma realidade elástica? Aqui está uma obra-prima deliciosa e uma obra de um compositor habilmente costurada em uma colcha mágica para pendurar em um museu, mas mais adequada para uma lixeira em um brechó localizado, é claro, um pouco acima da estrada das cidades que conhecemos. — CHRIS MARTINS

29. R.E.M., Automático para o povo
(Warner Bros., 1992)

No espelho retrovisor, o arco da carreira do R.E.M. e a ascensão às arenas parecem ainda mais heterodoxos do que quando estavam realmente acontecendo. A banda de Athens, Georgia tornou-se megastar global graças a um álbum orquestral ornamentado de canções de amor (1991's Fora do tempo ) e uma coleção melancólica de ruminações sobre morte, política e Andy Kaufman (1992 Automático para as pessoas ). No último LP, instrumentos acústicos, órgão desbotado pela luz do sol e grandes arranjos de cordas – bem como o ocasional floreio de guitarra elétrica – levaram ao folclore gótico, ao rock’n’roll rosnado e ao sépia. country-pop tonificado. A confiança contínua de Michael Stipe como escritor rendeu algumas das letras mais bonitas de sua carreira: O anseio nostálgico de Nightswimming, o esforço otimista de Find The River, e o contido Try Not To Breathe, que confronta o envelhecimento e a morte com humildade e respeito. Lindo e discreto, Automático para as pessoas é R. E. M. em seu auge criativo e emocional. — ANNIE ZALESKI

28. Nirvana, No utero
(DGC, 1993)

Este foi para os garotos da SST e os esquisitos da K Records – Steve Albini enlouquecendo com os microfones (duas dúzias apenas para o kit de Dave Grohl) para capturar melhor um power trio cansado da fama na glória do punkoid. Mas enquanto Kurt Cobain e companhia tiveram um prazer perverso em desafiar as expectativas pop – até mesmo reconfigurar seu grande sucesso como um barulho anti-estupro – cada refrão ainda significava. E fale sobre oportunidades desperdiçadas: uma geração inteira de rapazes screamo ignoraria as sugestões de Cobain sobre como expressar a raiva masculina e a vulnerabilidade masculina simultaneamente. A alt de platina raramente ficava tão dura, tão ferida, tão barulhenta. — JASON GUBBELS

27. O Notório B.I.G., Pronto para morrer
(Bad Boy, 1994)

Um rapper de barriga de Buda com uma voz que soa como se ele tivesse gotejamento pós-nasal permanente, falando sobre tirar a crosta matinal de seus olhos: não tradicionalmente sexy. Mas porque o Notorious B.I.G. sabia disso melhor do que ninguém, ele ostentou e ficou famoso por isso (Heartthrob? Nunca!). O único álbum de estúdio lançado durante a curta vida do lendário rapper do Brooklyn é excepcional, cinematográfico. A produção de Puff faz os gângsteres dançarem (o ensolarado Juicy, o scorcher bônus Who Shot Ya?), e Biggie escreveu músicas que parecem roteiros de Scorsese (Me & My Bitch, Everyday Struggle). Uma estrela improvável, com certeza, mas Biggie era um dos mais brilhantes do rap, e Pronto para morrer nos lembra que seu filme terminou cedo demais. — CASACO DE REBECCA

26. O Plano de Desmembramento, Emergência e eu
(De Soto, 1999)

O pior pesadelo de Travis Morrison por volta de 1999 foi que eles fizeram uma máquina de memória para lavar a dor e encerar nossos corações com um brilho ofuscante. Ele até implora pela capacidade de chorar à vontade. Ou seja, ele se preocupa como tantos homens antes dele que você não sabe que ele quer dizer isso, e possivelmente que ele não quer dizer nada. Ele inventou a Internet um ano antes de Gore, prevendo como agora temos que pagar alguém para garantir que as memórias permaneçam mortas. E no dublado Spider in the Snow, ele passou pela máquina e deseja não ter feito isso: a única coisa pior do que lembranças ruins é não ter lembranças.

Sua alienação de pós-graduação o encoraja a problemas de matemática que apenas sua seção rítmica de classe mundial pode resolver: um giroscópio humano tentando tesselar seu coração partido com força centrífuga reversa, uma Girl O'Clock para medir a Terra por orgasmos não correspondidos em vez de giros, e um convite universal para festas que não resolve exatamente nenhum de seus problemas. Nada está errado, eu estou bem / Percebi que não gosto de piadas, de The Jitters é uma das linhas mais cruelmente engraçadas de Morrison, sustentada pela empatia da letra que redime todo o falso desapego: Você é tão necessário. Ele atualizou sua adesão à raça humana. — E WEISS

25. Buraco, Viva com isso
(DGC, 1994)

Em seu baile de debutante de uma grande gravadora, o Hole reforçou o rock alternativo de meados dos anos 90 com canções pop de terra arrasada – os padrões da era Miss World, Violet e Doll Parts aparecem aqui, e no lado um, nada menos – e a vergonha livre, sem medo da frontwoman Courtney Love. Um ícone instantâneo dos tempos, o amor era arrogante e irreverente o suficiente para tirar fotos do riot grrrrls . Quando Viver rosna, grita, recusando-se a ser vitimado por sua insegurança: Um dia você vai doer como eu sofro. A frase parece especialmente assustadora ao saber que o álbum foi lançado em 12 de abril de 1994 - apenas quatro dias depois que o marido de Love, Kurt Cobain, foi encontrado morto com um ferimento de espingarda auto-infligido - mas o contexto não ofusca o poder do Hole. realização coroada, dando-lhes crédito ilimitado no mundo heterossexual. — MARIA SHERMAN

24. As Substituições, Tim
(Senhor, 1985)

Conseguir um contrato de gravação com uma grande gravadora não diminuiu nem um pouco o comportamento áspero dos Replacements. Embora o primeiro LP do grupo para Sire não seja tão solto quanto seu antecessor (o clássico de slop-rock de 1984 Deixe estar ), ainda há muito daquele bom e caótico charme de Mats para ser encontrado no uivo catártico de Bastards of Young, no desesperado Hold My Life e na jam de banda de bar que é Waitress In The Sky. O crédito por esse caos bem-educado certamente vai para o produtor Tommy Ramone, mas Tim A propensão de uma mágoa esfarrapada e um desejo vazio é a melancolia vintage de Paul Westerberg.

São os momentos de ternura - especialmente o delicado e próximo Here Comes a Regular e o hino de solidariedade desajustado Left of the Dial - que tornam este tão difícil de lavar. E, em retrospecto, Tim marcou um ponto de virada para seus criadores: o guitarrista Bob Stinson foi expulso do 'Mats após seu lançamento, e cada álbum subsequente trouxe a banda de rosto não tão novo cada vez mais perto de se tornar (relativamente) gentis estadistas mais velhos do rock universitário . Mas Tim representa o momento em que as Substituições atingiram seu potencial em alta fidelidade – ou pelo menos maior fidelidade – pela primeira vez. — ANNIE ZALESKI

23. Nas, Ilmático
(Colômbia, 1994)

Repetidamente, a estreia do rapper de Queensbridge foi elogiada por sua complexidade lírica, maturidade temática e destreza técnica – e, ei, contém uma das músicas de rap mais épicas e poéticas de todos os tempos em One Love. Mas para aqueles de nós que só viram a versão do Desfile do Dia de Ação de Graças da Macy's em Nova York, Ilmático foi um tour pelos bastidores, e em sua obra-prima de 39 minutos, Nas era um guia sagaz e com olhos de águia. Sua articulação de cantos de hospital e metáforas inventivas contrastam fortemente com os traficantes rápidos e soltos e o realismo corajoso de seu capuz. Graças à produção melancólica, cortesia de DJ Premier e Pete Rock, o álbum parece ter como pano de fundo nuvens pesadas e baixas grávidas de chuva. No entanto, apesar de todo o cansaço do mundo sombrio que está impregnado, está mais perto, Não é difícil dizer, irrompe como um único raio glorioso, incendiando a cidade de cromo e aço e deslumbrando você com beleza. Brilhe como um diamante, de fato. — CASACO DE REBECCA

22. Dia Verde, Dookie
(Reprise, 1994)

Eu declaro, eu não me importo mais, Billie Joe Armstrong mexe na linha de abertura para Dookie , um compêndio pop-punk de tédio suburbano. Com seus braços mortos de três acordes em loop e viciantes, Armstrong, o baterista Tré Cool e o baixista Mike Dirnt deixaram sua agenda clara: nenhuma agenda. Praticamente todas as faixas vitrificadas na entrada do trio em grandes gravadoras cheiram a não dar a mínima (Burnout, Longview, Welcome to Paradise) - mesmo que o cantor ocasionalmente tenha dado muito de uma (eu sou um dos aqueles / Tolos melodramáticos / Neuróticos até os ossos / Sem dúvida). Ídolos do Green Day como os Buzzcocks e Hüsker Dü podem ter dissecado sentimentos de falta de objetivo social e desconforto juvenil nos anos 70 e 80, mas Dookie chegou ao cerne da confusão pós-adolescente com os projetos de conquista da MTV para uma geração de ratos-do-mar subsequentes. Você tem tempo para me ouvir lamentar? Vamos cara, você ainda tem que perguntar? — RACHEL BRODSKY

21. OutKast, Aquemini
(La Face, 1998)

Para todos os álbuns do melhor cânone do hip-hop, OutKast's Aquemini pode ser aquele que seria melhor descrito como meditativo, um LP cujas paisagens sonoras jazzísticas e lânguidas e poesia de beco gótico do sul até fizeram Ilmático soa apressado. Sua música definitiva e mais duradoura não é uma pelúcia ou ao cafetão, um nuvem de cogumelo de electro-punk pós-apocalíptico, ou mesmo um bobo cantando junto cativante o suficiente para ganhar seu refrão uma carinha sorridente saltitante, mas sim uma de sete minutos, mais doce que inhame-xarope odisseia do funk lento que serpenteia por dança, drogas, amor, luxúria, morte, nascimento e ter seu currículo recusado nos Correios ( Biggie mentiu! ), Big Boi oferecendo em uma soma devastadora: Vá em frente e deixe marinar por um minuto.

Não há nada além de tempo para marinar Aquemini mais de uma hora de saltos de gênero considerados, uma extensão tão vasta e deslumbrante quanto Savannah, e tão corajosa e de olhos claros quanto West Savannah. De forma reveladora, foi o único LP de estúdio adequado de OutKast a não gerar um hit no top 40: Rosa Parks era muito falaciosa em sua agitação histórica, Skew It on the Bar-B muito nervosa com suas cordas salientes e batidas agitadas. Mas perdura como a obra-prima da dupla, porque parece tão coerente em sua visão de mundo: desgastado pela experiência, mas não conclusivo o suficiente para ser cínico ou hipócrita, engraçado (mas não tão engraçado) porque era tão verdadeiro - o sol se põe, heróis eventualmente morrem. Nenhum comentário adicional necessário ou garantido enquanto ‘Dre e ‘Twan estão praticando Da Art of Storytelin’, Pts. 1-16. — ANDREW UNDERBERGER

20. Duendes, Doolittle
(Electra, 1989)

É difícil encontrar uma banda alternativa ou indie, do Nirvana à TV on the Radio, que não tenha sido profundamente impactada pelo Doolittle . Até os dadaístas tiveram um choque graças a uma frase inesquecível e psicótica sobre cortar globos oculares, ha ha ha ho! Tal como acontece com tantos álbuns que mudam o jogo, é tudo sobre os contrastes: a alegria de Frank Black enquanto gritava sobre tortura, tropos de composição pop / costeletas se transformando em ruído punk, a dinâmica alta-silenciosa que soou como uma revelação na época, a simplicidade dos acordes versus a complexidade dos resultados. É Dark lutando com Light e caindo violentamente por 38 minutos de guitarras dilacerantes e grooves suaves.

Ou, para colocar de outra forma: se o diabo é seis e Deus é sete, então os Pixies são 6,5 com um polegar pressionando a córnea de um e dois dedos nas narinas do outro, sorrindo. Embora a banda de Boston parecesse prosperar em meio ao caos, seu maior momento também foi o início de seu desmoronamento, à medida que as tensões entre Black e Kim Deal cresciam em conjunto com a fama da banda. Para os empresários japoneses suicidas que inspiraram Wave of Mutilation, esse sucesso pode ter sido suficiente para fazê-los dar a volta por cima. Para os Pixies, foi um tijolo no pedal do acelerador em direção à desgraça inevitável. — CHRIS MARTINS

19. Os Traços, É isso
(RCA, 2001)

Muito tem sido feito do coquetel de sonolento dos Strokes, guitarras luminosas e inefável cool, mas um ingrediente raramente recebe o devido - a habilidade do vocalista Julian Casablancas como letrista. Bob Dylan ele não é, mas as transmissões hábeis do cantor de Nova York de arrogância e insegurança foram a chave para o sucesso inicial do quinteto, quando cada uma de suas músicas poderia ter sido transformada em um single. Eu deveria ter trabalhado muito mais / não deveria ter me incomodado; Promessas, elas quebram antes de serem feitas; Namoradas, eles não entendem / Em naves espaciais, eles não vão entender / E eu, eu nunca vou entender - frases simples, sim, mas melhor ainda para uma geração de lindos jovens narcisistas projetarem seus próprios envolvimentos românticos e problemas de dinheiro para. (Também não doeu que Casablancas usasse seu papel de cantor do Lower East Side como se fosse uma jaqueta jeans de brechó feita especialmente para ele.)

Febrilmente antecipado e injustamente caluniado por não liderar uma aquisição cultural do rock de garagem, É isso desde então foi canonizado (com razão) como uma das estreias mais completas da história, uma pedra de toque indie para crianças que perderam Pavement e Guided By Voices na primeira vez. E à medida que o outono de 2001 cai cada vez mais na memória, o que antes era um significante infalível do hipsterismo - uma visão (levemente) moderna do MOR dos anos 70 para a multidão do centro - revelou-se o primeiro disco de rock clássico do novo milênio. — KYLE MCGOVERN

18. Björk, Homogéneo
(Electra, 1997)

Björk já estava mostrando sinais de ser uma renegada da música – empurrando a dança dos anos 90 para o futuro através de flertes com trip-hop, jungle e industrial, enquanto se mantinha conectada o suficiente ao passado do pop para reinterpretar jazz e grande banda padrões - quando ela começou a gravar seu terceiro álbum solo em 1996. O trabalho resultante cimentou seu status como um pioneiro do pop eletrônico: construído em conjunto com colaboradores como Howie B, Markus Dravs e o falecido membro do LFO Mark Bell, Homogéneo fundiu batidas trêmulas, programação manchada e orquestras fantasiosas. Trip-hop, hip-hop, música ambiente, punk industrial vibrante e baladas de synth-pop delicadas — Homogéneo consumiu e misturou todos eles. Criativamente, Björk prosperou nesse ambiente expansivo, como evidenciado por suas performances vocais nítidas e emotivas e letras vívidas e poéticas (por exemplo, Bachelorette: I'm a source of blood / In the shape of a girl). Até hoje, Homogéneo continua a ser uma pedra de toque para quem valoriza a música com imaginação e pouca consideração por expectativas ou limites. — ANNIE ZALESKI

17. Beastie Boys, loja do paulo
(Capitólio, 1989)

Uma diluição do propósito de fraternidade e menos singles prontos para o rádio pode não ter ajudado, mas, na verdade, o motivo do fracasso comercial do Beastie Boys loja do paulo era simples: era um ano cedo demais. Lançado em 1989, Boutique essencialmente inventou os anos 90, ou pelo menos a maioria das partes cativantes: a mistura de gêneros salteados, a fetichização da cultura pop, o senso de humor que era mais espertinho do que idiota. (Inferno, ele até previu tendências do gênero hip-hop em ambas as costas: a fixação do funk e psicodelia dos anos 70 no ocidente e o micro-sampling e jazz retrô do oriente). , talvez não tivéssemos Quentin Tarantino; sem o grooving de Shake Your Rump, cheio de ADD, talvez não tivéssemos Beck (obviamente); sem a mistura Me Decade do vídeo de Hey Ladies, talvez não tivéssemos Spike Jonze. Embora, sem a Regra dos 3 Minutos, nós definitivamente não teria entendido eu estava fazendo discos quando você estava chupando seu mutha PAU , e isso sem dúvida teria sido o mais trágico de tudo. — ANDREW UNDERBERGER

16. Os Campos Magnéticos, 69 canções de amor
(Fusão, 1999)

Os músicos têm tentado expressar o amor romântico em todas as suas formas enfurecedoras desde, bem... quando eles não o fizeram? Mas na obra de três discos de sua banda, Stephin Merritt embarca em uma viagem sem precedentes explorando 69 tons de amor, tentando cobrir todos os assuntos do coração de todas as perspectivas possíveis - às vezes através das lentes de um cínico insuportável, e outras de um Pepé profundamente apaixonado. Le Pew. Isso pode ser amor, ou nada, ele barítono no segurança inconstante tingido de país Uma galinha com a cabeça cortada. A ave titular é simbólica para todos 69 canções de amor ; em uma série de cortes rápidos (muitos deles durando apenas um a dois minutos), Merritt cobre uma miscelânea de sentimentos, incluindo: ebulição luxuriosa (Luckiest Guy no Lower East Side), traição e dissolução (I Can' t Touch You Any More), o fim inevitável de um relacionamento de longo prazo (I Think I Need a New Heart) e a profunda agonia pós-separação (I Don't Want to Get Over You).

Merritt, em seu estilo singularmente sardônico, não apenas estuda cada olhar de amor, mas também organiza um prato de experimentação sonora: acordeão de influência italiana em My Sentimental Melody, bee-bop de baixo em Love Is Like Jazz, twee animadora de torcida em Washington, D.C, até mesmo Erasure banjo em Long-Forgotten Fairytale. O amor em si é irremediavelmente multifacetado, e nos milênios em que os seres humanos tentaram defini-lo através da arte, poucos conseguiram honrar essa complexidade como Merritt faz aqui. — RACHEL BRODSKY

15. Inimigo Público, Medo de um planeta negro
(Def Jam, 1990)

Melhor dividir este objeto de arte em duas metades, começando com a política tão incendiária que sobrepujou a conflagração musical. Atenção excessiva foi dada aos descartáveis ​​antissemitas imprudentes de Chuck D em Welcome to the Terrordome, mas se Crucification não é ficção / O chamado frozen escolhido continua sendo uma das linhas mais feias do hip-hop, não é porque outros não eram mais flagrante, mas porque a consciência política de Chuck era mais refinada que a deles. No entanto, mesmo o Terrordome fez pontos mais amplos sobre a cumplicidade da mídia e o racismo institucional. Décadas passadas, a indignação parece atual: feriados de proprietários de escravos, o caso de reparações, Tawana Brawley defendido como questão de princípio, fanáticos desviando a brutalidade policial com zombarias sobre crimes negros contra negros (sez Chuck: It foi o fuzz que atirou nele / E não o sangue ou cuzz).

Ainda assim, a qualidade mais radical do álbum foi entregue como cortesia do novo funk do Bomb Squad. Uma enxurrada implacável de loops, musique concreto e Na esquina , o ataque culminou com Fight The Power, um chamado às armas informado pelos Isley Brothers que fode John Wayne e 400 anos de caipiras sobre o sample mais doente de Clyde Stubblefield na história do pop. Este sistema não tem sabedoria: pregue-o, Mistachuck. — JASON GUBBELS

14. Meu Sangrento Valentim, sem amor
(Senhor, 1991)

Os escoceses nos deram twee, mas os irlandeses? Uma onda brilhante de guitarra zumbindo na qual tudo foi subsumido, depois sublimado, enquanto o ruído deu lugar à transcendência e o que primeiro soou distorcido revelou-se perfeito. Você não pode fazer outro sem amor e você não deveria querer: a visão inflexível de Kevin Shields o levou a 19 estúdios, faliu uma adorável gravadora indie, fez com que um empresário de vinte e poucos anos ficasse cinza, deu zumbido aos principais vocalistas (Shields e Bilinda Butcher), custou dois anos e (segundo algumas estimativas) $ 350.000, e alterou para sempre a face da rocha.

O rei do ambiente, Brian Eno, teria dito que era a música mais vaga que já entrou nas paradas, e ele quis dizer isso como um elogio. As letras são indecifráveis; os tambores foram sampleados e transformados em loops; e em vez de melodias, My Bloody Valentine fornece tons vibrantes e sangrentos que florescem um no outro como a pintura em aquarela impressionista mais agressiva já feita em tela. É alto e torto e inicialmente desorientador, mas este álbum recompensa o ouvinte por sofrer o desafio com imensa beleza e descoberta constante a cada nova audição. — CHRIS MARTINS

13. Jay Z, O Plano
(Roc A Fella, 2001)

Envolvido em brigas com outros rappers, enfrentando duas acusações criminais (uma por agressão, outra por porte de arma) e descartado por alguns como um vendedor de estilo sobre substância, Jay Z usou seu sexto álbum - o ousado, mas apropriadamente chamado O Plano — para dar um golpe de limpeza do convés, do tipo que Michael Corleone seria fiador. Auxiliado pelos então promissores produtores Kanye West e Just Blaze, Hova montou um tour de force centrado na alma, sombreando seus contos em primeira pessoa da vida de loteria (Girls, Girls, Girls), street hustlin' (Never Change ) e arrependimento (Song Cry) com samples de cantores dos anos 70 Tom Brock , David Ruffin , e Bobby Glenn .

Para seus rivais, particularmente Nas e Mobb Deep MC Prodigy, Jay e ‘Ye tocaram cinco para um das portas para montar o Assumir, uma faixa diss implacável e niveladora de campo de batalha que tornou todas as respostas discutíveis - a refutação de Nas, Ether, pode viver como uma abreviação de hip-hop para ferir inimigos, mas um ataque que termina a conversa simplesmente não é. Com o seu Planta , Carter se imaginou intocável, assumindo o trono como o rei de Nova York e declarando-se herdeiro não apenas do Notorious B.I.G., mas também de Frank Sinatra. Este foi o momento em que o nova-iorquino mais icônico do século 21 realmente emergiu. — KYLE MCGOVERN

12. Sonic Youth, Nação dos Devaneios
(Enigma, 1988)

Tendo aceitado o desafio de como uma política de ruído pode acomodar a forma da música, um quarteto art-punk da cidade de Nova York decide chutar as jams. Da arte de Gerhard Richter às alusões de Joni Mitchell, os Sonics estavam conscientemente fazendo reivindicações por uma sensibilidade artística não limitada à Baixa Manhattan. E, no entanto, com músicas que detalham os filmes de Warhol e Preppie Killer do Central Park, o documento também cheira a Downtown – frio da era do crack perseguido por uma obsessão por Dinosaur Jr..

Embora o álbum duplo termine com uma trilogia de 14 minutos, auto-indulgência não é um problema, não com o baterista Steve Shelley unindo cada exploração de guitarra com 4/4 nervoso. Em meio a afinações alternativas e sinos diáfanos, novos microgêneros surgiram como reflexões tardias (Cross The Breeze unindo hardcore com prog enquanto lançava a base para a experimentação de black metal), mesmo quando Teen Age Riot e Total Trash se divertiam em hookcraft. O canto confuso de Thurston, o murmúrio/sussurro irreprimível de Kim, a maravilha de olhos arregalados de Lee – para todos os golpes amplificados, personalidades dominadas. E esses art-punks em particular eram engraçados: símbolos do Zeppelin, mensagens de secretária eletrônica de Mike Watt, ‘F**k you’ parece simples o suficiente? Lançadores de tendências e impulsionadores de cena, eles entregaram os melhores 70 minutos de sofisticação estrutural do indie, disputando com força bruta. — JASON GUBBELS

11. D'Angelo, Vodu
(Virgem, 2000)

A metamorfose de D'Angelo de filho de pregador sobrenaturalmente musical para símbolo sexual de R&B que vende discos de platina foi gradual e – se seus longos períodos sabáticos são confiáveis ​​– desorientadora, mas a linha central é a alma calorosa de seu canto e piano. Misturado com uma pitada de hip-hop em 1995 Açúcar mascavo , criou uma rubrica para a onda iminente do neo-soul. No seguimento de 2000, Vodu , D perseguiu sua musa através de um playground de estilos: grooves hard hip-hop no DJ Premier-produzido Barriga trilha sonora remanescente Devil's Pie e Redman e Method Man colaboram Left and Right, jazz latino em Spanish Joint, até gospel em Send It On.

Ajudando na jornada está uma banda de crack - a lenda do baixo Pino Palladino, Tony! Toni! Tom! o líder Raphael Saadiq, o baterista do Roots ?uestlove, o guitarrista Charlie Hunter, o trompetista de jazz Roy Hargrove — instruídos a tocar intencionalmente de forma imperfeita no espírito da programação de bateria meticulosamente humanista do amigo J Dilla. As compotas resultantes são leves e inebriantemente funky, claras em sua linhagem, mas também, mesmo agora, singular e inimitável. — CRAIG JENKINS

10. Pavimento, Inclinado e Encantado
(Matador, 1992)

Sempre o tesouro do colecionador de discos, mesmo (ou especialmente?) em uma época em que colecionar discos é tanto uma pose quanto uma paixão. Os co-fundadores do Pavement, Stephen Malkmus e Scott Kannberg, pretendiam juntar o álbum de um indie insider com seu primeiro álbum completo, um feito que eles conseguiram com perfeição. Apesar de toda a sua inescrutabilidade proposital – as letras enigmáticas (Quarenta! Milhões! Adagas!), os slathers de feedback, as estruturas de música caóticas – Inclinado e Encantado ganhou aos garotos de Stockton, Califórnia (e ao enlouquecido baterista de quarenta e poucos Gary Young) um culto de seguidores que só cresceu: críticos e elitistas intrigados com a aura esotérica do LP e as melodias extravagantes, contemporâneos musicais e descendentes inspirados pelo orçamento lo-fi e ocasionais sha-la-la vocal.

Notavelmente, depois de fingir ambivalência ao longo de mais de duas décadas de elogios e obsessão, a curiosidade de 14 faixas não teve seu charme ou mistério. Não importa quantos guitarristas entediados e lacônicos da Costa Oeste usem a postura e o barulho raiado pelo sol da abertura Summer Babe [versão de inverno], o original sempre definirá o clima melhor; a resignação que alimenta/embalsa a balada lateral Aqui mantém contato visual, mas ainda parece distante; não se preocupe em tentar decodificar o quebra-cabeça de palavras faladas que é Conduit for Sale! — apenas concorde quando Malkmus canaliza a convicção para quase gritar, Entre aqui e ali é melhor do que aqui ou ali! Conforte-se com a verdade de que, independentemente das tendências da estação ou de como na moda indie rock pode ser a qualquer momento, Inclinado e Encantado O gênio barato da luz de Natal nunca se apaga. — KYLE MCGOVERN

9. DJ Sombra, Finalizando…..
(Mox Cera, 1996)

Quando o DJ nascido Josh Davis faz a pergunta Como é a sua alma? — em impressão, é claro; os toca-discos falam com as mãos – é mais provável que ele esteja falando de suas prateleiras de R&B do que de seu centro moral. Afinal, ele está no Guinness Book por realizar a fantasia de todo colecionador: destilar todas as músicas que você possui e ama no disco perfeito, libertando-as dos limites de unidades de armazenamento e porões inundáveis ​​para um artefato infinitamente jogável que reúne tudo o que seu coração perde quando você está jogando outra coisa. Ele sampleou tudo sem medo, recusando-se a se preocupar em quebrar Metallica ou Björk ou centenas de seus solos de bateria favoritos em 13 partes dobráveis. A maioria dos refrões são extraídos de uma orquestração pré-rock deformada pela poeira – piano cintilante de uma mão e violino de venda de garagem competindo com solitários solos de guitarra wah e órgão da escola dominical. Há até temas: prenunciados, declarados, reprisados. Por meio de toca-discos e sampler, Davis criou portas entre mundos de gêneros díspares, enfeitando-os com esquetes sem sequência que se tornam guias espirituais. O que você não lembra, você vai voltar. Mas você nunca vai pegar tudo e não se sentirá pressionado a isso. Há sempre outra volta ao virar da esquina. — E WEISS

8. Kanye West, Minha linda fantasia sombria
(Roc A Fella, 2010)

Nem sempre adoramos seres onipotentes livres de tentação. Os gregos antigos acreditavam em deuses que foram construídos à sua imagem: famílias falíveis, vaidosas, violentas, luxuriosas, ciumentas e disfuncionais que repudiavam seus filhos por serem feios ou assassinou os filhos da amante de um cônjuge . Pode-se dizer que eles adoravam a própria humanidade. E uma razão pela qual Kanye West, de 37 anos, se adapta a colaborar com um Beatle não é porque ambos são maiores que Jesus – é porque desde 1966 um sujeito pop não se esforçou tanto para fechar a lacuna entre o culto às celebridades e a própria religião organizada.

Kanye West sabe muito bem por que a internet transborda quando, digamos, Zayn deixa o One Direction. Ele sabe que é onde está a verdadeira igreja, sob todas aquelas luzes amaldiçoadas, que ele quer que sejam iluminadas o suficiente para ler uma ordem de restrição contra ele por seus próprios parentes teóricos (antes de ser pai de North, é claro). Mais tarde, essas luzes são apagadas por um cantor indie que abre caminho para quatro monstros, incluindo um nefasto Jay Z que se apropria de agressão sexual para se gabar (eu estupro e saqueio sua aldeia, mulheres e crianças) que é seguido pelo primeiro verso de rap feminino da época (precisamos dizer qual?) .

Este é um mundo onde amostrado Rei carmesim e Aphex Twin colidir com interpolado Sábado Negro e ao vivo Elton John . Onde casar com uma estrela pornô significa que vocês dois fodem as damas de honra e fazem uma freira vir para uma boa medida. Onde Chris Rock pergunta a você quem re-estofou sua buceta e Gil Scott-Heron pergunta quem sobreviverá na América. Onde soltar uma foto de pau na verdade te manda uma busca de alma por nove minutos acompanhados de piano. O músico mais vital do século 21 não é um deus, e ele sabe disso. Ele ama demais a humanidade para acreditar que um homem deve ter todo esse poder - e desde então se casou com alguém mais poderoso para mantê-lo sob controle. Mas baby, ele vive um inferno de uma vida. — E WEISS

7. Liz Phair, Exílio em Guyville
(Matador, 1993)

O renascimento do som feminino. Exílio em Guyville é o primeiro trabalho completo de Liz Phair, e seu melhor, expondo a cantora e compositora de Chicago em sua forma mais mordaz e sanguinária (aproveito ao máximo cada homem que conheço / fujo quase todos os dias / com o que as garotas chamam de assassinato em Garotas! Garotas! Garotas!), críticas e sinceras (aposto que você cai na cama com muita facilidade / Com as lindas garotas que são timidamente corajosas na abertura do álbum 6'1). F**k and Run te ensina fantasia, Never Said exige respeito, Flower comanda uma explicitação sexual anteriormente conhecida apenas por homens em registro. Ele não pede que você entenda – nem mesmo considera você. Esta é a linguagem de uma mulher que experimentou uma profunda decepção mesmo quando não experimentou, a linguagem de um feminismo novo e preciso. Depois que a criatividade da fita do porão expirar, as bandas vão procurar o que antes chamamos de indie rock. Eles vão cavar Exílio em Guyville , e a glória resplandecerá sobre eles. — MARIA SHERMAN

6. Radiohead, OK Computador
(Capitólio, 1997)

Nem mesmo os fãs do Radiohead estavam preparados para OK Computador , que teve suas pistas de ritmo de abertura de DJ Shadow's Finalizando….. e um Título da música de Bob Dylan ; caso você esteja se perguntando por que eles voltaram para salvar o universo no álbum três, é porque o escopo deles era amplo o suficiente para realmente abranger esse universo. E às vezes isso significa escrever da perspectiva de um bug decepcionado pelo mundo que o esmagou. Thom Yorke interpreta o herói simplesmente por suportar os desafios odisseianos do dia a dia: evitar a polícia do carma e os andróides paranóicos que o colocam em vários dilemas orwellianos – acidentes de carro e abduções alienígenas e um coro abjeto cantando o candidato ao pior cartão postal do mundo.

A sonoridade do Spirograph – os solos de guitarra de vômito cometa de Jonny Greenwood, as batidas de funk dentro da grandiosidade de Phil Selway que também devem Medo de um planeta negro e Lado escuro da Lua — não pode esconder um mundo que apodrece e enferruja quando deixa de ser caprichoso: escalando as paredes arranhando por uma solução que acaba sendo monóxido de carbono, o único caminho para uma vida sem alarmes e sem surpresas que o Yorke avesso às pessoas tão mal deseja. Sonhando acordado em sua metrópole, ele acorda com uma agitação na estrada que todo colono distópico conhece muito bem: Ei idiota, vá com calma! Sempre a repreensão dos anos 90, a banda Only That Matters mais mal-humorada já nomeou seu documentário que o acompanha Conhecer pessoas é fácil porque não é. OK Computador casou-se com rock e tecnologia para pessoas com dois pés esquerdos e ainda menos pontos de QI social – também conhecido como todo mundo. — E WEISS

5. Os Smiths, A rainha está morta
(Senhor, 1986)

Apesar de sua reputação conquistada com muito esforço de serem tristes, na melhor das hipóteses, e virulentos, misantropos propositadamente anti-sociais, na pior das hipóteses, o que as pessoas sempre esquecem quando discutem os Smiths é como eles eram engraçados. O líder do Oasis, Noel Gallagher, falou sobre se mijando de rir ouvindo os heróis underground dos anos 80 e, ouvindo A rainha está morta , bem, sim. Este é um álbum onde o narrador assassina Sua Majestade enquanto fala sobre sua falta de habilidade para tocar piano; onde o vocal mais emocional no excoriante Frankly Mr. Shankly é reservado para Moz chamando o personagem-título um fuh-laaaa-tu-lent paaaaiiiin no arrrrrrrse!!! ; onde o clímax There Is a Light That Never Goes Out - apenas uma das dez mais belas canções já escritas - é prejudicado pela verdadeiro declaração final, o não enganosamente intitulado Some Girls Are Bigger Than Others.

A rainha está morta influenciou gerações de garotos emo, vendedores ambulantes de indie-pop, punks de coração mole e almas gêmeas latinas , e enquanto os seres humanos tiverem que passar por períodos de escalada relutante em uma cama vazia, parece que o álbum será para sempre. Mas o sentimento penetrante de alegria minando a miséria de A rainha está morta é o que o impede de sobreviver apenas como totem; é o que torna a obra-prima de dez faixas um LP que os fãs de música não apenas acenam em reverência, mas cantam de frente para trás a plenos pulmões. Seja Keats e Yeats ou Wilde do seu lado, não há melhor maneira de passar um dia ensolarado do que no Cemetry Gates. — ANDREW UNDERBERGER

4. Daft Punk, Descoberta
(Virgem, 2001)

Fato pouco conhecido: no verão de 2001, em um bar suado em Boston, foi possível ouvir o smoothie de guitarra-pop John Mayer cantando um pouco de One More Time durante um set ao vivo pré-fame. Isso foi um ano antes de Losing My Edge, do LCD Soundsystem, em que outro J.M. – James Murphy – se gaba de ser o primeiro cara tocando Daft Punk para os garotos do rock. E este par de exemplos talvez improvável ilustra a estranha alquimia que Daft Punk realizou com seu segundo álbum, Descoberta: Isso era música eletrônica de dança para a maior das tendas, não para garotos do rock ou pop ou mesmo exclusivamente para os garotos da casa ou da discoteca, mas sim para chamar todos os garotos, de todas as idades. E a música pop – como visto na trajetória dançante do Top 40 nos anos desde o triunfante retorno do Daft Punk em 2006 aos olhos do público no Coachella – foi inabalavelmente alterada como resultado.

Alquimistas que eram, a dupla francesa realizou seu feito unificador de massas, transformando amostras improváveis ​​em bangers eufóricos. Embora ocasionalmente Guy-Manuel de Homem-Christo e Thomas Bangalter tomassem emprestado material tão inatacável como o disco clássico Supernature de Cerrone de 1977, mais frequentemente o ouro da pista de dança do Discovery é forjado a partir de discos que produtores menos exigentes podem ter deixado no brechó prateleira ( Barry Manilow?! ). Não que a dança seja o único modo do Daft Punk: no Face to Face, que pressagia o chillwave, ou no final do Curto Circuito, é a vez dos robôs chorarem. Mas o que atraiu os usuários de capacete para os srs. Mayer e Murphy – sem falar de Kanye West e Skrillex, ou herdeiros da era dos blogs, como Justice e Phoenix – foi sua busca de ajustes de tom, pilhagem de lixo e totalmente descarada pelo princípio do prazer. Ninguém foi mais difícil, melhor, mais rápido ou mais forte em comemorar, mais uma vez e depois outra. Encaixando tudo isso naquele famoso set do Coachella, a pirâmide do Daft Punk não estava sob nenhuma tenda, apenas o céu. — MARC HOGAN

3. Príncipe, Assine os tempos
(Paisley Park / Warner Bros., 1987)

Em 1987, Prince já havia se estabelecido como o maior de todos os tempos, e se ele não fosse o tipo de artista que exala criatividade, pode parecer que ele está exibindo sua coroa no deslumbrante Assine os tempos . Em vez disso, é o Purple One sendo seu eu real, e acontece que o álbum também reafirma por que ele é inigualável. Difícil não comentar sobre o estado fodido do mundo, mas Prince havia previsto o apocalipse cinco anos antes, em 1999.

Então, depois de reconhecer o óbvio na abertura do álbum e na faixa-título, ele passa para suas áreas de especialização: fazer amor e fazer música com exatamente o mesmo grau de zelo e complexidade e foco e estranheza. Os destaques neste álbum incluem o próximo nível liricamente (o sublime If I Was Your Girlfriend, no qual ele brinca com a dinâmica de gênero e relacionamento) e o musicalmente indelével (é difícil imaginar o U Got the Look ou o frenético Housequake não fechando literalmente qualquer festa). Mas a maior maravilha de todas? Para a maior parte do álbum, este é o trabalho de uma banda de um homem só. Atreva-se a encontrar outro rei tão ruim. — CASACO DE REBECCA

2. Clã Wu-Tang, Entre no Wu-Tang (36 Câmaras)
(Alto/RCA, 1993)

A origem do Wu-Tang Clan são partes iguais de merda de rua e nerdismo monomaníaco. Um esquadrão de ex-traficantes de drogas amantes de kung-fu amontoam-se em torno do equipamento de gravação de má qualidade de um amigo de fora do bairro, criando raps impenitentes sob o disfarce de seus personagens favoritos dos filmes, com áudio de luta real emendado. não funcionou. Eles estão vestidos como peças de xadrez reais no vídeo Mystery of Chessboxin'. O que tornou o Clã formidável (e suas excentricidades palatáveis) foi a compreensão inegável de cada membro sobre jogos de palavras e narrativa, juntamente com a produção minimalista do arquiteto RZA.

Se o ângulo do kung-fu não lhe parecesse um tom forte, os versos o fariam. Dos agitadores da ralé - Bring Da Ruckus, Wu-Tang Clan Ain't Nuthing Ta F**k Wit - a pratos tristes como Can It All Be So Simple e Tearz, Ghostface, Raekwon, Method Man e o resto foram compositores cativantes cometendo histórias de azar para gravar em detalhes surpreendentes. Isso fez Entre no Wu-Tang A mitologia de 's esfriou e transformou a extensão proibitiva de sujeira que envolve esses discos em um tapete de boas-vindas, a porta de entrada para um dos cantos mais escuros de uma cidade cheia de cantos escuros. — CRAIG JENKINS

1. Nirvana, Não importa
(DGC, 1991)

Oh bem, tanto faz, etc. Boceje se quiser. Elogiar ainda mais o célebre segundo álbum do Nirvana, definidor dos anos 90, pode parecer redundante ou seguro em 2015, mas descartar Não importa com um revirar de olhos ou cinicamente recitando não-descritores como superestimado não é muito mais emocionante ou original.

Claro, momentos de fadiga são compreensíveis. Ao longo do ano passado e da mudança, vimos o Nirvana introduzido no Rock and Roll Hall of Fame ; houve a onda de invasivo fotos que veio à tona, retratando não apenas o apartamento destruído em Los Angeles que o falecido cantor-guitarrista Kurt Cobain compartilhado com a esposa Courtney Love, mas também a cena do suicídio de Cobain em 1994; em novembro passado, Estradas sônicas — a série documental da HBO criada pelo ex-baterista/chefe do Nirvana, Foo Fighter Dave Grohl — explorou o efeito que a morte de Cobain teve em seu colega de banda; mais um livro sobre a banda icônica foi publicado em março passado; este mês, o primeiro documentário sancionado pela família sobre o líder do Nirvana – a escavação de arquivos de Brett Morgen Montagem de Heck - estreou na televisão (novamente, HBO) após um lançamento limitado nos cinemas. Toda a cobertura rendeu uma banda que não lança um álbum de estúdio há 22 anos, cuja filha do falecido vocalista já tem idade suficiente para atuar como produtor executivo em seu biodoc.

Então, sim, a narrativa – trio de ratos do punk-rock consegue um contrato com uma grande gravadora com a promessa de algumas demos, encena uma rebelião interna contra a indústria fonográfica, queima, mas se recusa a desaparecer – pode parecer uma lição de história cansada neste ponto. Muito foi dito sobre como não há nada de novo a ser dito. Mas, de alguma forma, as próprias canções (lembram-se delas?) retêm sua centelha; Acorrentados ao mito do rock'n'roll ou não, eles continuam sendo o melhor lote que uma banda jovem, ingênua, mas ainda muito inteligente para seu próprio bem poderia oferecer por volta do outono de 1991.

E isso era tudo que eles precisavam. Correção excessiva do sludge punk foto-negativo do debut de 1989 Alvejante , Nirvana atou riffs prontos para rádio, linhas de baixo estridentes e bateria de crateras com vocais de garganta e letras sorridentes. O produtor Ace Butch Vig (também conhecido como rock alternativo Michael Bay) revestiu as 12 faixas com pedigree de sucesso de bilheteria, e o mixer Andy Wallace condensou para criar o máximo impacto. Quase um quarto de século depois, Não importa sobrevive não apenas como uma peça de museu, mas também como uma audição emocionante, nascida de um grupo que gostava de Black Sabbath e dos Beatles, que se acotovelou com os Melvins e Meat Puppets, e depois acabou sendo batizado na linhagem do rock clássico, uma geração de resposta aos Rolling Stones e Led Zeppelin.

Chame isso de adoração de mártir equivocada ou falta de vontade de deixar ir ou devoção genuína, mas é realmente milagroso que o Nirvana ainda desperte tanto interesse quanto eles – especialmente em um momento em que o rock-guitarra perdeu completamente o domínio do zeitgeist. Isso não quer dizer que o fantástico rock de guitarra não está sendo feito; só este ano viu uma série de trabalhos estimulantes e instigantes de barulhentos de Toronto METZ , pós-punks de Seattle Cinto de castidade , e cantor e compositor australiano Courtney Barnett – não por coincidência, todos esses discos, à sua maneira, têm uma semelhança com o próprio corpo de trabalho do Nirvana. No mínimo, eles se sentem como se fossem o tipo de disco que Cobain, Grohl e o baixista estabilizador Krist Novoselic defenderiam em entrevistas.

E essa é outra ironia amarga: que uma banda tão voltada para o futuro – que usou seu próprio tempo com a imprensa para falar sobre atos então subestimados; que eram igualmente habilidosos com anzóis e horrores estrangulados pela arte; que poderia reunir uma lista de artistas femininas de gerações e gêneros para liderar seu próprio tributo ao Rock Hall - só pode ser discutido no contexto de olhar para trás ou se perguntar E se... Sua história tem um fim tragicamente definido, seu legado está bloqueado -in — mas não é impenetrável; ela se aprofunda com o tempo.

É fácil ser vítima da nostalgia, falar em sussurros preciosos ao discutir Não importa . Este álbum é a razão pela qual inúmeros músicos – alguns deles reconhecidamente horríveis, outros legitimamente ótimos – pegaram seus instrumentos, sejam eles quais forem. Este é o disco que inspirou este escritor a se tornar um jornalista musical. Mas também é fácil se entregar ao thrash trancado do Breed; para encontrar humor no limpamente amargo On a Plain (Ame-me melhor do que você / Sei que é errado, então o que devo fazer?); ficar perturbado com a história de sequestro em Polly; para regozijar-se com a glória de In Bloom, coberta de penugem e arrebatadora de fãs; cantarolar junto com o sombrio Algo no Caminho. Se você ouvir, fica claro por que Não importa e o Nirvana significava muito para muitos – e ainda significa. — KYLE MCGOVERN

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